Category Archives: asien

Haze (2005)

Jag har varit ett stort fan av Shinya Tsukamoto sedan jag såg Tetsuo: The Iron Man första gången. Han har behållit sin status som husgud med filmer som Tokyo Fist, Bullet Ballet och A Snake of June. När jag fick korn på Haze, en – enligt beskrivningen – klaustrofobisk korsning mellan Cube och Saw blev jag genast nyfiken. Blott 49 minuter lång och enligt ryktet extremt obehaglig, ett måste med andra ord.

Filmen börjar med att en man (spelad av Tsukamoto själv) vaknar upp i ett trångt mörkt utrymme. Redan här inser man att det inte är ”feel good” det handlar om. Inledningsscenen är ingenting för folk med fobi mot smärta i tänderna. Filmen fortsätter med att mannen kravlar omkring i den här klaustrofobiska labyrinten av smärta. Efter en stund träffar han en kvinna, och inte heller hon vet vad som pågår men har identiska skador som mannen. Det är mörkt, fuktigt och mardrömslikt och så fortsätter det i 49 minuter.

Man får inte direkt någon förklaring till vad som händer och handlingen är minst sagt kryptisk. Jag får snarare känslan av att Tsukamoto försöker visualisera en mardröm, eftersom allt är ett töcken av mörker, smärta och hopplöshet. Det hela är mycket kompetent utfört och man sitter som på nålar genom hela filmen. Det gör inte särskilt mycket att det handlar om en kortfilm, utan bidrar snarare till drömkänslan.

På det stora hela är jag ganska imponerad av hur man med små medel kan skapa så taskiga vibbar. Jag behöver inte förstå allt i en film, utan gillar filmer som bygger på stämning. Den här filmen kan inte riktigt jämföras med hans långfilmer, men håller absolut samma klass. Något för film-masochisten och för dig med klaustrofobi. Glöm inte att spana in ”Making of”-filmen i extramaterialet, vilken för en gångs skull är sevärd.

Externa länkar:

2046

Take care. Maybe one day you’ll escape your past. If you do, look for me.

 

Vissa filmer ger inte bort någonting gratis, utan kräver total närvaro av tittaren. Wong Kar Wais 2046 är en sådan film. 2046 bygger mer på det visuella och stämning, än ett logiskt och glasklart handlingsförlopp.

Playboyen och rufflaren Chow Mo Wan har ett minst sagt komplicerat förhållande till kvinnor, och livnär sig genom att skriva snusk och spela om pengar. Efter att ha tröttnat på spelandet i Singapore åker han till Hong Kong och flyttar in på ett hotell. Genom olika affärer med olika kvinnor får han idén att skriva 2046, en flummig scifi-roman som gör upp med hans längtan efter kärlek och närhet. Kvinnorna i hans liv blir i romanen känslohämmade androider, med fördröjda reaktioner.

Både handlingen och det här sättet att göra film på, eller snarare sättet att berätta en historia, kommer att avskräcka många. Men låter man sig bara ryckas med och glömmer allt hollywood har lärt oss, så framträder en vacker och melankolisk historia. Allt är otroligt utstuderat, vackert och varenda scen är ett poetiskt mästerverk. Jag kan inte riktigt sätta fingret på vad det är exakt som gör den så bra, och det är nog precis det som gör den så bra.

Wong Kar Wai har visat ännu en gång att han är en regissör att räkna med och sätter därmed kinesisk film på den kartan. Nu är dessutom bloggens finkulturella kvot sprängfylld för ett tag framöver.

Externa länkar:

Sai Dai

Igårkväll fortsatte vi på det thailändska spåret med Sai Dai, ett sensationslystet drama från 1994 (eller snarare 2537). I filmen får vi följa ett gäng tonårstjejer och deras dysfunktionella familjer. Jag saxar handlingen från en annan sida;

”The movie title means ”What a pity!”. It shows the useless life of teenagers, who are addicted. Most of them come from problematic families. They start sniffing glue, then switch to heroin. Some girls are even selling their body to get money to buy drugs. Some die due to overdose. Whith their parents’ help and not rejection, they can hope to go back to a standard life. This movie got 10 distinctions at Thai awards.”

Det sniffas lim, röks brass, skjuts heroin och gås på disco i en salig röra, och det är väl ungefär det som händer under filmens 114 minuter. Exakt vad som är syftet med filmen är inte helt klart, men jag antar att det är någon form av skräckpropaganda. Så här går det om du inte lyssnar på din föräldrar, och glöm inte att disco är farligt. Problemet är bara att föräldrarna har en hel del att lära om pedagogik och barnuppfostran. Det är inte mycket som är livsbejakande i den här filmen, inte ens det ”lyckliga” slutet. Men den är helt klart intressant och sevärd om man är intresserad av Thailand och sensationsfilm. Vi tyckte dock att 114 minuter borde kortats ner till 90, men med det sagt kan jag inte annat än att rekomendera denna thailändska misärrulle! Kanske något för nästa Hem & Skola möte?

Externa länkar:

Ong-bak

Thailändsk film är vi inte bortskämda med här på grym film, så det var med en andaktig förväntan jag körde igång Ong-bak. Filmen handlar i korta drag om bondpojken Ting i en liten avlägsen by som övergavs som liten och lämnades utanför det lokala buddhisttemplet. Under sin uppväxt tränas han till perfektion i den fina konsten att sparka rumpa – thai style. Han lovar dock dyrt och heligt att inte göra om sin mästares misstag att slåss för pengar. Idyllen bryts dock när skurkar från Bangkok själ huvudet på byns heliga buddha-staty.

Ting åker till Bangkok för att återhämta huvudet och rädda byn, vilket inte visar sig vara helt okomplicerat.

Ong-bak är en snyggt koreograferad våldskavalkad med hjärna och en snitsig Tony Jaa i huvudrollen (thailands svar på Jackie Chan?). Både handlingen (som förvisso är banal, men vad förväntade du dig?), skådespelarinsatserna och regin håller hög klass för att vara den här genren. Förväntar man sig ett existentiellt mästerverk blir man nog besviken, men som hårdkokt action är det här en fullträff. Har man dessutom varit i thailand och Bangkok känner man igen sig i scenerna från Kao San Road.

Thailand känns för tillfället som ett lovande och uppfriskande filmland, och jag ser fram mot fler filmer därifrån.

Externa länkar:

964 Pinocchio

Trots att vi inte har hunnit uppdatera bloggen i den frekvens vi skulle vilja, har vi åtminstone hunnit med att ägna oss åt det vi tycker bäst om, nämligen titta på film. En av dom är japanska Shozin Fukuis cyberpunkspektakel 964 Pinocchio från 1991.

Filmen handlar om en i stora drag om en cyborg/sexslav som inte kan leverera vad som förväntas och därför kastas ut på gatan av sin ägarinna. Väl ute på Tokyos gator, helt utan en susning om vem, vad eller varför plockas han upp av en hemlös tjej som bor i ett kyffe under jorden. Härifrån urartar det mesta in i en härligt skruvad soppa där den ena absurda scenen staplas på den andra i ett rafflande tempo för att kulminera i en vansinnig grand finale. Fans av filmer som Tetsuo och Electric Dragon 80.000V kommer inte att bli besvikna, medans nybörjare och främlingar till japansk och asiatisk film kommer att klia sig i huvudet och längta efter House of the flying daggers. För att citera en användare på Filmtipset.se;

”En av de sämsta filmerna jag har sett under hela min livstid. Jag förstår inte hur man kan tycka om en film med en kille med diskhandskar och män med dykardräkter när de är på land.”

(betyg 1)


En annan sak som gör filmen så härligt skruvad är att många scener är inspelade mitt i folkvimlet på Tokyos gator och tunnelbana, vilket gör att filmen får en skev klaustrofobisk känsla. Människorna runt omkring försöker låtsas som om det regnar när dom går förbi, och det lämnar en iskall, men dock väldigt klädsam, hinna av ensamhet.

964 Pinocchio borde ha en gjuten plats i varje japanofils filmsamling, bredvid Tetsuo: The Iron Man.

Survive Style 5+


Efter en hektisk vecka är det dags för en liten uppdate av bloggen, resten av kollegerna verkar ha fallit i samma koma som jag. Men nu är det dags att spänna ögonen i skärmen, för nu blir det åka av. En applåd för Survive Style 5+;

Det här kan vara en av dom mest flippade och bästa filmerna jag har sett! En två timmar lång syratripp i en surrealistisk überjapansk popkulturell fantasivärld. Jag har sett mycket bisarr film i mina dagar, men Survive Style 5+ utklassar allt med bravur. Vad handlar då denna film om? Ja, det är lite svårt att sammanfatta på ett enkelt sätt, men kort sagt skulle man kunna kalla det en tokjapansk förvrängning av Short Cuts-konceptet. Vi får följa fem parallella handlingar som sakta men säkert vävs ihop. En kille försöker mörda sin flickvän som hela tiden återuppstår och kommer tillbaka. Tre småtjuvar med homoerotiska spänningar i gruppen. En familj åker och tittar på en känd hypnotisör. En smått förryckt reklamtjej med något skruvade reklamidéer. Två kontraktsmördare, varav den ena, otippat nog, är den hårdkokta Vinnie Jones som går omkring om frågar folk vad dom har för syfte här på jorden. Jag vill inte avslöja mer än så då det skulle förstöra lite av upptäckandet av filmen.

Även om handlingen håller fullt ut på sitt eget surrealistiska sätt, så är scenografin och klippningen i sig själv en stor del av behållningen i denna filmen. Helt fantastiska kitchmiljöer staplas på varandra, och varenda scen känns läskigt genomtänkt. Man skulle när som helst kunna frysa bilden för att skapa ett konstverk. Färgsättningen är gräll och pastell men det blir aldrig larvigt eller störande kitchigt, utan bara en fröjd för ögat. Musiken är också extremt väl tajmad och bra vald. Ibland fick jag nästan lite Clockwork Orange-vibbar, med speedad klassisk musik till slowmotionfilmade våldsscener. När jag säger våldsscener menar jag inte utstuderat våld som är där för att få tittaren att känna obehag, utan konstigt nog smälter våldet in i resten av filmen på ett naturligt sätt.

Kan inte mer än att slå på stora trumman för den här filmen, har sett den två gånger nu och den blir bara bättre och bättre. Så det finns inga ursäkter för att missa denna film om du kallar dig cineast.

Aragami: The Raging God of Battle

Aragami är resultatet av en tävling, ”The Dual Project”, som gick ut på att på en veckas tid göra en film på temat dueller. Det här är regissören Ryuhei Kitamuras bidrag, samma man som även ligger bakom filmer som Versus och Alive. Handlingen är ganska okomplicerad och går ut på att en samuraj söker skydd i ett avsides tempel uppe i bergen, där möter han en man som visar sig vara Aragami, krigarguden. Aragami är en odödlig krigsgud som verkar måttligt road av sin odödlighet, därför uppmanar han samurajen att döda honom.

Under 85 långa minuter får vi följa ett långsamt kvasifilosofiskt samtal mellan samurajen och Aragami som sitter och krökar olika typer av ”exotiska” rusdrycker såsom vin och vodka. Mellan dom sitter en mystisk kvinna och fyller på glasen utan att säga ett knyst. Dialogen är nog tänkt att vara djuplodande och existentiell, men är tyvärr lika intressant och djup som budskapen man får i lyckokakor. Filmen känns oändligt lång och tröttsam, och när den väl når klimax är man så otroligt uttråkad att man bara väntar på att saken skall bli överstökad.

Fotot är av typen bilreklam, förvisso väldigt estetiskt tilltalande, men inte särskilt nyskapande eller personlig. Tillsammans med den diffusa musiken blir det hela än mer ”reklamaktigt”.
Jag har en osedd Versus DVD liggandes och peppet har inte blivit större efter den här filmen. Jag tycker inte att Ryuhei Kitamura verkar ha någon vidare fingertoppskänsla för film, utan kör bara på säkra kort vilket ger ett snyggt men ointressant resultat. Men jag reviderar kanske den åsikten när jag sett Versus, som har fått bra kritik. Den här kalkonen kan man dock missa utan att ligga sömnlös.

Five Deadly Venoms

När Quentin Tarantino gjorde Kill Bill var en av hans avsikter att hylla filmer och skådespelare som han tycker mycket om. Utöver att Kill Bill är en riktigt bra film med liveframträdande av det härligt smutsiga coverbandet 5,6,7,8′s, så innehåller den en hel drös med referenser till gamla höjdarfilmer av hög klass. Ett gäng filmfantaster på HKflix.com har sammanställt en lista på filmer och företeelser som är anknutna till Kill Bill, där man kan läsa att Kill Bill’s ‘Deadly Viper Assassination Squad’ är en hänvisning till en grupp kampsportsskådespelare som arbetade för klassiska filmstudion Shaw Brothers. Denna grupp kallades för The Venoms, och av den stora mängd filmer de medverkade i, så är ‘Five Deadly Venoms‘ den mest kända och uppskattade.

Filmen börjar med att den gamla mästaren i ‘Poison Clan’ är på väg att dö, men innan han lämnar jordelivet så ser han tillbaka på det liv han levt och hur det går för hans klan. I ett samtal med sin nuvarande elev berättar han att han tidigare tränat fem elever med olika kungfustilar: den blixtsnabba tusenfotingen, den viga och och snabba ormen, den dödlig skorpionen, ödlan som kan klättra på väggar, och den starka och nästintill osårbara grodan. Mästaren berättar för sin elev att de fems identiteter inte är kända eftersom de ständigt bar masker under sin träning, och att någon eller några av dem handlar orätt och drar Poison Clans namn i smutsen. Eleven får i uppdrag att finna de fem, och att övertala en av dem att samarbeta med honom mot de andra.

Five deadly venoms är klassisk kungfufilm när den är som allra bäst, musiken är skönt suggestiv, slagsmålen är snyggt koreograferade och omväxlande tack vare de olika kungfustilarna och plotten håller filmen igenom. Jag har sett den engelskdubbade versionen, men till skillnad från de flesta dubbningar från den här tiden så är det inte så att den är så komiskt usel att den distraherar filmupplevelsen, röstskådisarna gör helt enkelt ett bra jobb.

Tortyr är inte något som är överdrivet vanligt inom den här filmgenren, men Five deadly venoms innehåller en del starka scener av den här typen (starka för att vara i en kungfufilm, ingenting som går att jämföra med kannibalfilmer precis). Precis som samtliga scener i den här rullen så är dessa scener välmotiverade i handlingen, och när den totala avsaknaden av humor och skoj tas med i beräkningen så blir resultaten en riktigt hård kungfufilm.

För alla som är sugna på att se en av de bästa kungfurullarna från den bästa klassiska filmstudion Shaw Brothers så vill jag verkligen rekommendera Five deadly venoms!

Azumi

Ibland snubblar man över filmer som man omedvetet har gått och längtat efter, och japanska Azumi är utan tvekan en sådan film. Jag är ett stort fan av japanska rollspel och manga, så att få se alla sina vilda äventyrsfantasier illustrerade på film är en våt dröm som går i uppfyllelse. För det här är en total orgie i tuffa fighter, coola kameraåkningar, hinkvis med blod och en bodycount hög nog för att Hem & Skola ska hålla krismöte.

Azumi är en sockersöt lönnmörderska som har tränats från barnsben för att bli den perfekta känslolösa mördarmaskinen. Tillsammans med tio andra kamrater har hon levt avsides i bergen och genomgått minutiös träning, och när vi kommer in i handlingen är tiden inne för att ge sig ut i världen och möta dom onda krigsherrarna som dom tränats för att förinta. Som ett sista prov delas gruppen in två och två och tvingas döda sin kamrat, för att visa att dom inte skyr några medel för att nå sitt mål. Väl ute i världen (läs bortanför bergen) börjar en resa som kantas av avhuggna kroppsdelar och kubikmeter blod.

Filmen känns som en live action anime, och den känslan späs på av det utmärkta fotot och färgsättningen. Även karaktärerna, som skulle kunna uppfattas som klichéer, hjälper till att skapa en seriekänsla. Jag tycker att greppet fungerar utmärkt, den här historien och genren gör sig verkligen i en utstuderad och stiliserad film som den här. Handlingen håller sig på en perfekt avvägd nivå kontra actionelementen och man tröttnar varken på det ena eller det andra. Trots att man ibland är farligt nära så låter man inte relationsaspekterna bli larviga eller smöriga, utan karaktärerna lever upp till sin roll som iskalla mördare.

Jag måste nämna fotot igen som verkligen är en nyckelfaktor i den här filmen, för här har man verkligen lyckats väldigt bra. Man lyckas skapa en otrolig intensitet i actionscenerna som jag tyvärr tycker är allt för ovanlig i den här typen av film. Filmer som House of the Flying Daggers dök upp i huvudet, även om den spelar i en helt annan liga. Det estetiska spelar i alla fall en central roll i den här filmen, och på den biten har man briljerat.

Jag nämnde tidigare att den här filmen har en sällan överträffad bodycount, och det är utan att överdriva. För det här är en total slakt rakt igenom och vid tillfällen riktigt brutal. Vissa blodsprut är helt klart dataanimerade, men det är inget som stör för man för sitt lystmäte av fejkblod ändå. Huvuden rullar och armar flyger, allt snyggt och balanserat utan att urarta i en larvig slakt a’la Braindead.

Efter att ha googlat lite upptäckte till min stora glädje att det även finns en uppföljare, Azumi 2 – Death or Love. Jag kan med säkerhet säga att det lär dyka upp en recension av den här på Grym Film, för den här rullen gav mersmak.

Lost Paradise

Dom flesta som sett en eller flera gamla martial artsfilmer känner igen termerna seppuku och hara-kiri (som är den engelska termen), vilket innebär att på ett ritualiserat sätt ta sitt eget liv genom att skära sig i magen så att ens tarmar ramlar ut, vilket anses som en ärofylld död. Eftersom det tar ganska långt tid att gå bort på det sättet, och eftersom det är en väldigt plågsam upplevelse, så kan man ta hjälp av en kaishakunin. Denna har till uppgift att hugga huvudet av personen som begår seppuku efter att denna skurit sig i magen, men desto längre man väntar med själva huvudavhuggandet, desto mer ärofylld död räknas det som. Läs mer här om du vill testa på seppuku, något som vi på Grym film starkt avråder från!

Hursomhelst, chansen att du hört talas om seppuku, eller sett någon form av det på film, är ganska stor, förutom många kampsportsfilmer så finns seppuku med i exempelvis datorspelet Mortal Kombat och i böcker om James Bond. Få av dessa verk lyckas dock att framställa seppuku på ett särskilt realistiskt ifråga om hur det upplevs för utövaren. Distrubutören Fuji Kikaku har med sin filmserie ‘Zankoku-bi: Onna Harakiri‘ sett till att intresserade kan få sitt lystmäte tillfredsställt. En av filmerna i serien, som samtliga tar upp seppuku på olika sätt, är Lost Paradise regisserad av Masami Akita.

Lost Paradise är en drygt 33 minuter lång, väldigt magstark film. Större delen av filmen består i en väldigt grafisk redogörelse av en kvinnas seppuku, och det sparas varken på blod eller tarmar i den här historian. Den närmaste grannen till den här filmen är troligtvis ‘Guinea Pig 2: Flowers of flesh and blood‘ där en samurai styckar ett offer kidnappat på måfå, men där Flowers of flesh and blood handlar om ett nersövt offer, så får vi i Lost Paradise följa varje skrik och stön på vägen mot ära.

Skådespeleriet är väldigt bra, det går att skönja rädsla och tveksamhet i rörelserna, samtidigt som dessa är väldigt ritualiserade i enlighet med urgamla traditioner. Fotot är helt ok, kameran är närgången och vinklarna väl valda, dock kunde jag önska något färre klipp för att bevara den fruktansvärda känsla som är filmens förtjänst. Dessutom dyker en skugga upp under filmens gång från någon i kamera eller ljusteamet, vilket är en nära nog oförlåtlig miss i denna typ av film.

Musiken i Lost Paradise är ett kapitel för sig, och vissa av er känner kanske igen att Masami Akita som regisserat även brukar gå under namnet Merzbow (officiell siteinternet merzbow database). Merzbow är ett musikprojekt som producerar noise, en sorts ofta abstrakt ljudbild där många av den vanliga musikens ramar har lösts upp och byggts om, och i genren noise ses ofta Merzbow som den störste, med flera hundra skivsläpp bakom sig. Naturligtvis har han gjort musiken till sin egen film Lost Paradise, och för den som fastnar i de fantastiska ljudbilderna så finns låtarna på albumet Music for bondage performance. Soundtracket varierar från ambient och taktfast till elektroniskt kaos och disonnanser, och ackompanjerar filmens tema perfekt! Jag har själv länge beundrat Merzbows musik, och det var en sann glädje att se hur bra den gick ihop med filmen.

Är då det här något man bör se som filmfantast? Nja, blir det kluvna svaret. Om du är intresserad av att se hur ett seppuku egentligen ser ut och upplevs, eller om du ser allt blodigt och slasheraktigt du kommer över, så kan Lost Paradise vara en trevlig bekantskap, men för de flesta är det här bara obehagligt och fruktansvärt. Bilder från Lost Paradise och de andra filmerna i Onna-harakiriserien finner du här, men en stark varning är utfärdad, det här är inte några trevliga bilder.